AKMU schokte de wereld met hun thuisgeschoolde muzikale genialiteit met hun zelfgecomponeerde liedjes. Hun succes herinnert ons aan het belang van muziekeducatie en laat zien dat de natuurlijkheid van creativiteit kan worden gekoesterd in een vrije omgeving.
AKMU wordt geprezen om de onschuld van de tienerbroers en zussen, hun emotionele bevalling en de perfecte chemie tussen hen. Daarnaast spreken ook hun originele arrangementen en ongebruikelijke en verfijnde teksten aan. Wat verrassend is, is dat AKMU, in tegenstelling tot eerdere auditieleden die alleen bestaande nummers zongen, hun charme liet zien door hun eigen composities. De liedjes zijn geschreven door de tienerbroers en zussen, die thuis in Mongolië thuisonderwijs krijgen en nooit complexe muziektheorie zoals harmonie hebben gestudeerd. De verschijning van deze twee genieën was een grote schok voor het publiek, dat alleen was blootgesteld aan de muziek van conventionele leerlingen die muziek studeerden op de afdelingen compositie en praktische muziek van universiteiten, waar muziektheorie en uitvoering systematisch worden onderwezen, of zangers worden geproduceerd. door diverse instanties.
Het is geen geheim dat het genie van de componist een belangrijke en beslissende rol speelt in het creatieve proces van het maken van muziek. In de film Amadeus zien we dat het genie van Mozart de basis vormde van zijn immense vermogen om muziek te maken, maar dat het ook de oorzaak was van Salieri's jaloezie en de uiteindelijke dood. Salieri miste het genie van Mozart, dat hij niet door hard werken kon overwinnen.
Hoe ziet muziek gemaakt door muzikale genieën eruit? Ten eerste bevat het nieuwe formele elementen, zoals ritmes en toonladders die totaal anders zijn dan die van eerdere muziek. Net zoals de Duitse filosoof Kant zei dat een genie een regelmaker is, creëren zij esthetische elementen die afwijken van de gevestigde compositieprincipes en integreren deze in hun muziek. Algemeen wordt aangenomen dat muzikale genieën het vermogen hebben om deze nieuwe elementen gemakkelijk te ontdekken en te creëren. In tegenstelling tot recente populaire muziek, die vooral over liefde en scheiding zingt, bevat de muziek van AKMU onconventionele thema's en teksten zoals "Is mijn lunch vandaag nog steeds ramen noodles?" en "Geef niet op voordat je zelfs maar begint, een droom diep in je hart", en bevat afwijkende progressies in plaats van de gebruikelijke toonladders en akkoorden. Hij werd door het publiek gezien als een genie omdat hij deze unieke aspecten in zijn wekelijkse uitzendingen bleef laten zien.
Hoewel er muziekscholen zijn, zoals compositieafdelingen, die de methoden en technieken leren om deze nieuwe elementen te creëren, verschijnt er zo nu en dan een muzikaal wonderkind in de media dat niet via een instituut is gegaan. Deze wonderkinderen creëren met hun natuurlijke talent nieuwe muzikale elementen, zonder inspanning of leren, uitsluitend gebaseerd op de basismuziektheorie. Betekent dit dat muziekonderwijs en -onderwijs zinloos is?
Om deze vraag te beantwoorden moeten we kijken naar de noodzaak van een muzikale organisatie. Lang geleden bestond er geen systematische muziektheorie en geen uniforme inhoud. Hierdoor was het creëren van nieuwe muziek net zo moeilijk en omslachtig als het creëren van iets uit het niets, en omdat verschillende mensen verschillende muzieksystemen creëerden en gebruikten, kan worden aangenomen dat er aanzienlijke ongemakken waren bij muzikale interactie, samenwerking en gebruik van muziekinstrumenten. . Om deze ongemakken te elimineren, werd de 7-schaal (Doremifasolasi), voorgesteld door Pythagoras in het Westen en de 5-schaal in het Oosten, als standaard gebruikt. Deze schalen zijn niet louter voor het gemak willekeurig gekozen. In het geval van de toonladder van Pythagoras werd de empirische ontdekking toegepast dat verschillende noten niet van elkaar te onderscheiden harmonieën produceren die als één geluid worden waargenomen. Het idee is dat als de snaarlengtes van de instrumenten die elke noot produceren worden uitgedrukt in termen van eenvoudige geheeltallige verhoudingen, zoals 1:1, 2:3, enzovoort, de geluidsgolven zullen resoneren in plaats van met elkaar te interfereren. heffen elkaar op en creëren harmonie. Sindsdien is het 12-notencompositiesysteem, een systeem van 12 noten met vijf halve tonen tussen de noten, voltooid, en is de akoestiek, de muziekwetenschap gebaseerd op dit systeem, samen met de natuurkunde en biologie ontwikkeld en bestudeerd. De sociale aard van taal, die stelt dat de vorm en inhoud van taal een belofte is tussen de mensen die de taal gebruiken en niet door één individu kan worden veranderd, wordt ook toegepast op het compositiesysteem van twaalf noten. Met andere woorden, het is duidelijk dat vaste regels en theorieën in de muziek noodzakelijk zijn voor het gemak van componeren, zingen en onderzoeken.
De noodzaak om theorie te leren wordt bevestigd door wetenschappelijk onderzoek naar het feitelijke creatieve proces van componisten. Charles Lim, een professor aan de Johns Hopkins Universiteit in de Verenigde Staten, voerde een experiment uit waarbij hij functionele magnetische resonantie beeldvorming (fMRI) gebruikte om de hersenen van jazzmuzikanten in realtime te observeren terwijl ze improviseerden. De resultaten toonden een afname van de activiteit in regio’s die verband houden met het uitvoeren van geplande acties en zelfcensuur, en een toename van de activiteit in regio’s die verband houden met zelfexpressie en individualiteit. Omdat improvisatie niet alleen spontane ideeën vereist, maar ook de vaardigheid om die ideeën op een ordelijke manier te structureren, wordt aangenomen dat er verschillen in prestatieniveau zullen optreden afhankelijk van de rijkdom aan muzikaal materiaal in de kennisdatabase van de uitvoerder, de ervaring en de mate van organisatie. . Als je dit in ogenschouw neemt, kun je zien dat de creativiteit van improvisatie uiteindelijk wordt bepaald door de kennis in het brein van de uitvoerder, dat op basis van deze kennis bezig is individualiteit tot uitdrukking te brengen. Dit betekent dat zelfs als je niets hoeft te weten om te improviseren, je toch iets moet weten om het goed te kunnen doen, en dit improvisatieproces omvat hersenactiviteit die verband houdt met zelfexpressie. Omdat imitatie de moeder van de schepping is, kan worden geconcludeerd dat het proces van het creëren van nieuwe muzikale elementen een basis van kennis vereist om naar te verwijzen, en dat wonderkinderen ook kennis moesten verwerven om te kunnen imiteren. De hoeveelheid kennis die ze in korte tijd leerden was echter enorm, en hun vermogen om te leren was uitzonderlijk, en daarom was hun genialiteit mogelijk.
Waar blinken muzikale genieën nog meer in uit, behalve dat ze goed zijn in het creëren van nieuwe muzikale elementen? Laten we hiervoor eens kijken naar het idee van de aard van muziek.
“Wat is de essentie van muziek? Is het de resonantie van fysieke geluiden, noten op een muziekblad of sporen van herinneringen in de geest? Misschien zou een natuurkundige muziek zien als de resonantie van geluid, een muzikant zou het zien als noten op een partituur, en een psycholoog zou het zien als sporen van geheugen. Of, losser gezegd: muziek is de resonantie van geluid, uitgedrukt als noten die als herinneringen in onze gedachten blijven.”
Er is geen juist antwoord op de aard van muziek, maar er kan wel worden samengevat dat muziek de ‘betere en sterkere’ herinnering is van noten die worden uitgedrukt als geluidsecho’s in onze geest, waarbij genialiteit de overhand heeft. Dit komt omdat er duidelijke beperkingen zijn aan pogingen om de bestaande muziektheorie, akoestiek, natuurkunde en andere disciplines te verbeteren. Hoewel we misschien elementen van de muziektheorie kunnen identificeren die de neiging hebben bepaalde emoties te beïnvloeden, zoals de lengte van een muziekstuk en de frequentie waarmee bepaalde akkoorden worden gebruikt, zullen we door middel van empirisch onderzoek niet in staat zijn uit te drukken in welke mate welke muziek op een formele manier bepaalde emoties oproept. Dit komt omdat er niet zoiets bestaat als een absoluut muziekstuk dat op iedereen hetzelfde effect heeft. Dit is de reden waarom muziek zo'n duidelijke en onmiskenbare uitdrukking is van de innerlijke gevoelens van de maker, en waarom muzikale genieën het vermogen hebben om uit te drukken wat ze maar willen uiten.
Muziek kan vele functies vervullen, maar haar rol als medium voor emotie is van grote betekenis. Wanneer we intense emoties ervaren, kunnen we deze associëren met een bepaald muziekstuk, of kunnen we ons verhouden tot dingen die we in het verleden hebben ervaren door middel van bepaalde muziek en songteksten. In het geval van AKMU ligt hun genialiteit in hun vermogen om mensen te helpen zich een verscheidenheid aan emoties te herinneren, te herinneren en ermee om te gaan, buiten het kader van liefde en scheiding dat recente popsongs hebben laten zien. Het is het perfecte antwoord op een publiek dat genoeg heeft van dezelfde oude idoolzangers en iets nieuws wil. Ik denk dat dit de reden is waarom hun liedjes succesvol waren en week na week bovenaan de hitlijsten stonden zonder enige speciale muzikale kennis.
Hoe hebben deze muzikale genieën dit vermogen verworven om hun innerlijke gevoelens te uiten? In zijn essay 'Iruma's Little Room' zei de new age-pianist Iruma dat de spontaniteit die uit muziek voortkomt niet het resultaat is van gedwongen instructie, maar voortkomt uit muzikaliteit die op natuurlijke wijze in het lichaam wordt ingeprent door voortdurend te worden blootgesteld aan een muzikale omgeving. tijd. Als muzikaliteit op natuurlijke wijze wordt gecultiveerd, kunnen zelfs degenen die nooit muzikaal zijn geweest een zekere mate van muzikaliteit ontwikkelen. Net zoals beroemde componisten vanaf jonge leeftijd met muziek in aanraking zijn gekomen en hun vaardigheden hebben ontwikkeld om geweldige werken te creëren, is het gemakkelijk om te denken dat muzikaliteit vanaf jonge leeftijd kan worden gecultiveerd door middel van vroege educatie en een efficiënt onderwijsproces. Hoewel dergelijke inspanningen de competentie kunnen verbeteren door de studie van de muziektheorie, zullen ze echter niet de ‘natuurlijkheid’ bieden waar Iruma naar verwijst. We kunnen alleen maar speculeren over hoe de opleiding van beroemde componisten eruit zou kunnen zien op basis van Iruma's ervaring. Iruma zei ooit dat hij op de Pacelle School, een Europees centrum voor muzikale wonderkinderen, waar hij zijn muzikale opvoeding als kind kreeg, vrij was om zijn tijd te besteden en te doen wat hij wilde doen, in plaats van les te krijgen volgens een vaste tijd en een vast curriculum. . AKMU zei ooit in een interview dat ze, in tegenstelling tot gewone studenten in Korea die vastzitten in een vast lesrooster, lijden onder de stress van gedwongen studie en druk op cijfers, van muziek konden genieten wanneer ze dat wilden via thuisonderwijs, zonder gebonden te zijn aan speciale regels. regels, en hun ouders waren blij hen te zien en moedigden hen aan om van muziek te genieten. Deze voorbeelden laten zien dat genialiteit kan worden gecultiveerd in een ontspannen en plezierige sfeer, in plaats van door middel van kunstmatige inspanning.
Momenteel is het compositiecurriculum op praktische muziekafdelingen en grote entertainmentbureaus te veel gericht op het aanleren van compositiemethoden die gebruik maken van hook-songs of elektronische geluiden, die worden gekenmerkt door eenvoudige melodieën, korte refreinen en repetitieve teksten. Dit komt overeen met de realiteit dat dergelijke muziek momenteel de populaire muziekscene domineert. Onderwijs dat alleen de nadruk legt op een kortetermijnperspectief kan componisten echter niet helpen hun vaardigheden te ontwikkelen om verschillende muzikale vormen te introduceren en rijke emoties uit te drukken, en zal de diversiteit van populaire muziek belemmeren. Om de genialiteit van componisten te koesteren en te benutten, en om composities te creëren die gebruik kunnen maken van de diversiteit van populaire muziek, moet het leerplan daarom mogelijkheden bieden om een verscheidenheid aan muziek te ontmoeten en te voelen. Bovendien kan het strikte opleidingssysteem voor stagiaires van entertainmentbureaus ook de ontwikkeling van compositorische vaardigheden belemmeren. Van stagiairs wordt verwacht dat ze de basisvaardigheden op het gebied van zang, dans, acteren en vreemde talen voltooien, evenals karaktervorming en vrijwilligersactiviteiten, volgens een vast tijdschema, net alsof ze naar school gaan. Zelfs als het curriculum niet noodzakelijkerwijs verband houdt met muziekactiviteiten, is het belangrijk om hen de vrijheid te geven hun eigen keuzes te maken, zodat ze een verscheidenheid aan ervaringen en emoties kunnen opdoen en ten volle kunnen genieten van wat ze leren.
In seizoen 2 van K-Pop Star prees rechter Park Jin Young het vermogen van AKMU om hun eigen liedjes te schrijven, en een van de adviezen die hij hen gaf was om "te beginnen vanuit het hart en te eindigen met het hoofd" in het creatieve proces van een nieuw nummer schrijven. Dit betekent dat je emoties moet voelen en een liedje moet gaan schrijven vanuit je hart, maar om de emoties die je in je hart voelt goed over te brengen, moet je ze op verschillende manieren met je hoofd kunnen uiten via verschillende muziektheorieën, zodat je een meesterwerk kunt voltooien dat precies de emoties overbrengt die je in het nummer wilde overbrengen en deze effectief kunt uiten. Hoewel het belangrijk is om je levenservaringen, gevoelens en natuurlijke toestand in je liedjes tot uitdrukking te kunnen brengen, benadrukte hij ook de noodzaak om theorie te leren voor genieën die verschillende en originele uitdrukkingen kunnen maken. Zoals hij adviseerde, toont AKMU zijn genialiteit met verschillende uitdrukkingen en teksten die andere zangers niet hebben, maar om meer verschillende, betere en completere liedjes te schrijven, zal hij meer tijd en moeite moeten besteden aan het bestuderen van de muziektheorie. en ervaar veel dingen om rijke emoties te voelen. Ik hoop dat hij zijn muzikale vaardigheden kan verbeteren en goede nummers kan blijven maken die beantwoorden aan de behoeften van het publiek, zonder de onschuld en het sprankelende muzikale talent te verliezen dat hij nu heeft.
